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Não somos propriamente fãs do conceito de super grupo mas apreciamos, por vezes, providenciar caldinhos destes. 

Angélica Salvi, Ece Canli, João Pais Filipe e Pedro Augusto são quatro músicos e compositores que têm trilhado, paralelamente, um importante percurso nacional e internacional nos campos da música experimental, da electrónica e da investigação sonora. Todos com discos recentemente editados, as ligações que têm estabelecido multiplicam-se entre colaborações e coedições mas nunca desta forma tão próxima.

Em pleno inverno pandémico, enquanto preparavam uma primeira e última apresentação enquanto grupo, o quarteto ad hoc aproveitou o tempo desses tempos para gravar um disco que tem tanto de frugal como de pujante, epítome do que se poderia apelidar, certamente, de transe magnético com um trabalho de composição original de voz, percussão, harpa e sintetizadores.

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Gravado ao vivo no incónico Cafe Oto em Londres, esta é a primeira gravação dos Solar Corona no formato Elektrische Maschine. Uma oportunidade para separar o trigo do joio e ver como o quarteto tece a sua tapeçaria cósmica. Uma exploração eletrónica sem limites e sem fim. 

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Depois de discorrerem sobre os mais recentes tratados pós-punk e ondas revivalistas de sintetizadores no seu Bazar Esotérico, depois de reverem a documentação gótica submetida à consideração do plenário em Ata Saturna e de pedirem peer review por via de um disco de remixes, restam muito poucas dúvidas de que os Conferência Inferno são os maiores especialistas das práticas negras do rock elétrico em Portugal. E é nessa condição que voltam a expor a sua inventiva metodologia de hermenêutica sonora através do novo álbum Pós-Esmeralda, um conjunto de canções que se propõe a expandir as possibilidades emocionais do ensemble portuense.

Para este tento, a Conferência Inferno não se fica pela condição de emissária e cresce para o papel de mestre de cerimónias, trilhando um caminho sónico cada vez mais próprio. A essência do elétrico sobre o orgânico em maus modos mantém-se, mas sem que isso defina taxativamente os tons com que pintam as novas canções. O negro mantém-se sem prevalecer sobre os cada vez mais presentes tons mais vivos dos novos traços harmónicos. A dicotomia primordial do seu género desdobra-se em várias tensões, cada vez mais exclusivas do trio portuense e que lhes permite, em oito canções, fazer um registo de como soa um equilíbrio consternado.

Há um descortinar de alegria tétrica desde os primeiros segundos, com camadas de melodias maiores nos sintetizadores de Raul Mendiratta e nos teclados de José Silva em confronto com o desespero vocal e lírico de Francisco Lima; há uma crescente energia na catadupa percussiva da caixa de ritmos e nos tons graves protuberantes; e há sempre dança, na epilepsia rítmica que o new wave sempre invocou, com os movimentos coreográficos como alternativa à violência do punk sem prefixo, que mesmo assim não se manifestam menos impetuosos, tensos, secos, nem rápidos. São, em suma e fazendo jus ao seu epíteto, infernais.

No outro lado da balança, surgem canções que desafiam a concepção da própria palavra, em duração, em estrutura e em ambiências, e que exploram outro tipo de sensações análogas do desalento, em que lentas progressões, com texturas menos abrasivas nas melodias, grassam a beatitude e a redenção. Não fosse o negrume das letras e estariam perdoados.

A Conferência Inferno reuniu-se sobre o livro de São Cipriano para fazer o mapa astral do pós-punk. Todos os planetas estavam em retrógrado, todos os ascendentes em saturno, e só eles sabem em que inferno está a lua. Pós-Esmeralda é resultado invocado de um ritual macabro deste pandemónio de new age ocidental, cheio de ironia, pesar, êxtase e esgares. Dance-se o fim do mundo, pois somos todos corpos, e ouça-se a Conferência.
 

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Puro e duro, assim se quer o rock. Chocalho de bota dura em gravilha gasta, guitarras ao alto e fumo denso, jogos de snooker em que ninguém mete a preta e mais de 666 cervejas entornadas irmãmente entre o corpo, o chão, e o balcão, qual santíssima Trindade, três elementos da mesma substância, das mesmas substâncias, pois se o balcão aguenta o corpo, o corpo aguenta o chão, que remédio.

Surgido no pico da pandemia, Cobrafuma é um elenco de proto-veteranos do Porto que ouviram o chamamento da Cobra entre shoppings manhosos, bares de chão pegajoso, encarcerados pela lã de rocha húmida que protege a periferia.

Nesta primeira bisca homónima, som é rijo como aço e cheio de veneno, e rasteja entre géneros que não prestam contas a ninguém: punk, thrash e rock'n'roll, sibilado em Português Suave e bem regado a aguardente bagaceira sem rótulo, para abanar o capacete como se não houvesse amanhã.

Faz-se na triangulação entre três universos distintos, o novo projeto dos ZA!. Num vértice a música polirrítmica de uma banda que é já um culto no universo underground, noutro o duo à capella trans-folk Tarta Relena e, no terceiro, o quarteto La Mega Cobla, que tem usado os seus instrumentos tradicionais em contextos inusitados e contemporâneos. Junto pela vontade de criarem a sua própria visão da música mediterrânea, filtrada pela distorção e a psicadelia, os ZA! & TransMegaCobla atiram-nos uma visão retro-futurista da folk music, reclamando a vivacidade das costas do Mediterrâneo e das suas possibilidades de experimentação infinita. 

Da buleria à kopanitsa, da gnaoua à sardana, TransMegaCobla funde as diferentes heranças que ligam as culturas desta região, criando um universo amplamente marcado pela humanidade e pela festa. Recuperando a língua fenícia, o octeto procura as raízes comuns para as reconfigurar de acordo com moldes contemporâneos. Uma orquestra intemporal pronta para inventar um Mediterrâneo de ficção científica numa realidade paralela. 

Um disco de remisturas com contribuições de 7 produtores e djs nacionais, disponível no bandcamp em modo name your price.

Um diário de viagem que une espaço físico e interior, uma série de estados de transe representados em cores vivas, um portal delirante para o éter. O primeiro álbum de Marlene Ribeiro em nome próprio é tudo isto e muito mais. Toquei No Solé um novo capítulo para esta artista única, de longe o passeio mais melódico e transcendente até agora para seu hipnótico pop dos sonhos.

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A próxima rotação do motor Solar Corona traz consigo uma expansiva e inebriante viagem psicadélica: PACE.

O quinto disco da banda, muda de marcha com o dub mecanizado de Lorr No (Nuno Loureiro) a assumir os comandos do som do trio central — Rodrigo Carvalho (guitarra/sintetizadores), Peter Carvalho (bateria), José Roberto Gomes (baixo) — e a levá-lo para uma corrida fora da estrada.

As ideias cruas de cada faixa foram ensacadas em Alpendurada, nas margens do Douro. Após um processo de destilação de dois anos, os riffs e materiais base atingiram uma concentração não muito diferente do luar alquímico característico do norte português dos Solar Corona. Princípios simples e mecânica firme são canalizados para jornadas perenes onde velocidade e ritmo permanecem distintos.

Cada faixa celebra um elemento específico à sua maneira. O tema introdutório Heavy Metal Salts estabelece o pulso de PACE, com detalhes eletroacústicos cintilantes trazendo-lhe uma dose de lisergia. A faixa-título Pace suaviza a paisagem sonora dos Solar Corona e destaca-se como um mantra espacial sem riffs, solos ou a necessidade de headbang. Faixas lideradas por guitarras como Thrust e AU retornam ao rock-n-roll a bater no sinal vermelho, que é uma constante nas veias da banda, antes de ser injetado por seu novo, mais etéreo, espaço sónico. O groove incessante de Parker SP, construído com baixo saltitante e bateria direta, fornece o terreno para os outros membros descolarem rumo a outras atmosferas. Alpendurada fecha o álbum com um toque épico, ao sabor das entradas e saídas da banda pela psicadelia.

Os dois últimos trabalhos do Solar Corona, LIGHTNING ONE e SAINT-JEAN-DE-LUZ (ambos lançados em 2019), também em formato quarteto com o saxofonista Julius Gabriel. A saída de Gabriel da banda em 2020, deixou uma vaga em aberto para Lorr No (Fugly, Favela Discos) trazer seu próprio toque ao à identidade stoner progressiva da banda.

PACE leva o ouvinte por uma jornada ambiciosa. Para fãs do rock expansivo de bandas como Endless Boogie, Circle, Pharaoh Overlord, Hawkwind e GNOD.

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A música de Angélica Salvi situa-se entre a memória, familiaridade e relações. Talvez seja um desrespeito pelas regras começar por uma referência à música da harpista por via do abstrato, ao invés de arrancar com a referência de que é espanhola, reside no Porto desde 2011, e que Habitat é o segundo registo a solo, depois de Phantone (Lovers & Lollypops, 2019). Mas esse “desrespeito” faz parte também da música de Angélica Salvi. Não pede desculpa para ser como é. Faz esquecer os factos, abre de imediato um imenso leque de sensações e respira uma linguagem que qualquer ouvido entende. Nan, o tema de abertura, consegue, em meros segundos, criar uma levitação sonora. Isto antes da harpa, como a imaginamos, fazer-se ouvir.

Se Phantone existia nessa palavra criada entre Pantone e Phantom, favorecendo uma viagem pela memória, as harmonias abertas, coloridas e conviviais de Habitat promovem uma ideia de presente, de viver o momento. Gravado em Maio deste ano no seu estúdio (Garagem 16), Habitat é um grande passo em frente. Parte disso tem a ver com a comunicação direta destes oito temas. A harpa continua a ser o elemento central, mas há um maior uso de efeitos e processamento de som que tornam o som mais especial. O facto desse trabalho ter acontecido em tempo real, para tornar possível que o som se consiga reproduzir e processar de forma direta, tornam a experiência sonora bem mais real, viva, efervescente. Essa abordagem permite igualmente que o som da harpa aconteça com presença de espaço. Imponente, faz-se ouvir, causa estrondo.

Os sons parecem uma porta para um caminho, sem que algo se feche. As melodias encantam, mágicas, sem feitiços, adornadas por algo de etéreo. Os temas de Habitat ouvem-se como canções e menos como peças. Curiosamente, evoluem como composições abertas, luminosas e que irradiam luz. Há algo de relacionável aqui, tal como em Phantone, mas se aí existia um convite pela memória/nostalgia, aqui é como se a música esticasse a mão e quisesse andar lado-a-lado. Os sons encontram-nos, apanham-nos desprevenidos – daí ouvirem-se como canções próximas, familiares – e ecoam com uma vontade de levitar. Talvez por isso, se sinta que a música de Salvi dá a mão, para não se fugir com as canções. Quer-nos ali, a conviver com ela naquelas melodias.

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Deusa Náusea sendo intimamente incomum, balança-nos no berço de um bebé febril com a sua formosura fragmentária e sua delicadeza que nos serpenteia o cérebro todo. Polarizado, invertido, perplexo, epitelizado por processos espectrais e pura beleza. Pedaços de vozes cortados e beliscados em gotas métricas deixam-nos em constante tele-transformação, a centrifugar os nossos interiores mais profundos como se quisesse quebrar, com força suficiente, a matriz estrutural duma canção. Inês Malheiro, com a sua visão periférica e um ramo de Gerberas e Peónias, faz deste dia um prazer anisotrópico.

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Lovers&Lollypops: 17 anos a celebrar o inconvencional

E eis-nos de repente à porta da maioridade. Dezessete anos volvidos desde a primeira edição, continuamos a habitar os nossos dias de histórias e desafios, ao lado de bandas e artistas que nos ajudam a celebrar o inconvencional, a encontrar conforto no desafio e a apaixonarmos pelo que ainda está para vir. Não podíamos celebrar esta data de outra forma que não fosse com o lançamento de mais um disco, uma espécie de revisita (sem saudosismo) ao caminho que nos trouxe até aqui, selecionando um conjunto de temas que, de alguma forma, resumem cada ano de vida. Integrados nesta compilação estão temas de: Sikhara, Lobster, Dansse Damaje, The Astroboy, Black Bombaim, Long Way to Alaska, The Glockenwise, Equations, Jibóia, Killimanjaro, Medeiros/Lucas, Filho da Mãe, Stone Dead, João Pais Filipe, Angélica Salvi, Ece Canlı, Conferência Inferno e Sereias.

Juntamente com esta compilação aniversariante abraçamos mais um projecto, numa colaboração com coletivos e projectos que habitam o dia-a-dia cultural do Porto, aquela que é (sempre) a cidade de onde partimos. Uma série limitada de macacões, personalizados com as ideias bordadas da Tilo, e “trazida à vida” por um vídeo dos Ovo Estrelado. Seis cores, 3 tamanhos, trinta e três modelos diferentes entre si.

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Disco de estreia de RA FA EL, projecto a solo de Rafael Ferreira (Glockenwise, Evols, Septeto Interregional, Duquesa).

O EP homónimo tem como ponto de partida a colaboração constante com outros artistas e por isso, o que tinha tudo para ser um trabalho a solo, acabou por ser uma espécie de “big band", onde as várias terminologias da pop são o porto de abrigo dos seis temas editados. Explorando e aprofundando o trabalho de Rafael Ferreira enquanto compositor, o disco conta assim com as colaborações de Éme, Primeira Dama, Vítor Nuno Santos, Zé Pedro Vinagre, Tiago Ferreira e April Marmara**.**

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“Recomecemos tudo de novo” grita A. Pedro Ribeiro a descerrar o novo álbum dos Sereias, abrindo espaço para o deambular de uma guitarra abrasiva sobre um ritmo persistente e incursões de teclados com reminiscências jazz-rock à anos 70. É este o mote para o novo álbum, um recomeço onde encontramos o free rock dos Sereias em todo o seu esplendor, uma mistura de post-rock e kraut em progressão contínua, tenso, obsessivo, massacrante, em jogos de texturas e piscar de olhos ao free-jazz e à música contemporânea e mesmo a algum tribalismo. Deste caldeirão sónico sai a voz psicótica de A. Pedro Ribeiro, ora gritada ora murmurada ora declamada, ora colérica ora depressiva, e a sua poesia bruta, de poeta de café em invectivas contra o mundo ou em lamentações existenciais. Mas contrariamente a “O País A Arder”, o disco de estreia, há aqui menos palavras de ordem sonantes, tipo “quero um primeiro-ministro para comer ao pequeno-almoço” ou “as putas da tv”, e um maior desespero face ao mundo, com as ambiências musicais a ganharem um protagonismo e um espaço inesperado, como em “Las Cadenas” – onde as vozes electronicamente traficadas desenham estritas narrativas sonoras –, e as ladainhas recitadas a serem repetidas uma e outra vez, a sublinhar a sensação de perda e o tom melancólico e angustiado que percorre todo o disco. “Ela vem, volta sempre, a depressão”, como rediz à exaustão A. Pedro Ribeiro, abandonando-se ao fado da inadaptação social e da carência afectiva que o faz cair “no fundo do copo, no fundo do abismo” por entre farrapos de melodia. E de nada valem as visões apocalípticas nem os avisos de que “a coisa vai estoirar” apoiados num crescendo rítmico de tramas explosivas, pois o destino está traçado: “voltar, voltar sempre”. E que bom que é este regresso! Numa altura em que a música portuguesa navega maioritariamente por um nacional-cançonetismo modernizado disfarçado de pop é uma bênção ouvir estes Sereias e a sua quimera disruptiva sob a forma de música, onde a criação é um impulso vital e urgente. Bem hajam!

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Do Claro ao Breu desenha-se como um objecto de contrastes, integrando duas composições antagónicas e independentes, como se de uma representação do dia e outra da noite se tratasse. O lado A, mais luminoso, parte do trabalho que o coletivo realizou com o bailarino e coreógrafo José Artur Campos para a sonorização da curta de video-dança Meia de Leite. Uma composição onde a polifonia de vozes, rica em atmosferas e paisagens, enceta um diálogo com dois poemas de Eugénio de Andrade: Falo de um Verão e A uma fonte. Um universo de névoas encantatórias a servirem de tecitura para algumas das mais frequentes imagens da tradição portuguesa: as mãos, os frutos, as estações, a ligação à terra e os ciclos. O Lado B, vira-nos para o obscuro e para o nocturno, espaços por onde vagueiam os medos e as superstições, numa viagem em torno de elementos sinistros e grotescos do imaginário popular tradicional. Esta composição resulta da colaboração das Sopa de Pedra com o coletivo portuense Oficina Arara, onde a proposta foi a de musicar textos inspirados nas superstições populares já desaparecidas ou residuais, mais concretamente algumas rezas, orações, ensalmos e benzeduras ao ar.

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Através de uma constante chamada e resposta, as camadas de ostinatos / repetições são os meios através dos quais COBRACORAL assumem uma textura sonora única, que deriva da voz. Enquanto que uma das vozes insiste num fragmento de apenas duas notas, outra voz vai ocupar os lugares rítmicos vazios de forma a construir uma base harmónica que servirá de base para uma terceira voz. COBRACORAL exploram o potencial da voz através do uso de efeitos sonoros e do gesto, para amplificar a experiência aural que sugere a extensão da voz para além dos limites elétricos e corporais. O movimento dos corpos também molda o som, tal como um eco artificial, um delay, ou uma mudança de tom. Este é um trio vocal contemporâneo, elétrico e eletrificante.

Padrões geométricos dão cor à superfície de COBRACORAL, tal como a espécie de cobra que serviu de inspiração para o nome do trio. Cada música tem o seu padrão respiratório, um rito comunitário que se concentra no movimento do ar, em que os atos de inalação e exalação se tornam sistemas complexos que transformam o tempo numa expressão vocal. O tempo da respiração merece um imenso cuidado na sua dimensão lúdica, e ao mesmo tempo de energia vital, sendo uma responsabilidade partilhada pelas três. Cantos ritualísticos, ciclos oníricos e técnicas vocais contemporâneas formam a paisagem rítmica, imagética e narrativa de COBRACORAL.

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Os acasos, como o ritmo, repetem-se e não raramente seguem padrões — às vezes com o intuito claro de os quebrar. Quando, em 2017, a convergência dos dois percussionistas prodígio João Pais Filipe e Valentina Magaletti levou à criação de CZN, a repetição de acontecimentos ficou inscrita nos destinos dos músicos, tal como os eventos que resultariam no capítulos que sucederiam The Golden Path (2018). A forma como estes se desenrolariam, contudo, é apenas um eco dos passos anteriores, modulado pela constante evolução dos seus intervenientes.

Commutator é uma metáfora do processo que guia os CZN (ou copper-zink-nickel, os metais que compõem as esculpturas sonoras, ou instrumentos com dimensão visual, de João Pais Filipe): uma convergência de percussionistas que trilha direções além dos caminhos óbvios através do apontar de coordenadas a evitar. Os tempos óbvios, a repetição de cadências, o fixar de um ritmo e o desígnio de os evitar são a matéria que liga Valentina Magaletti, João Pais Filipe e Leon Marks neste registo, onde o ritmo é antítese de dança, onde a possibilidade de decorar gestos se dilui nos movimentos dos percussionistas e as texturas melódicas do produtor mergulham nos timbres da parefernália singular dos três músicos.

O resultado será, inevitavelmente, a antítese da regra, sendo a norma de evitar. O aborrecimento não faz parte da música dos CZN, a circularidade só entra na equação por via de rodas dentadas e da sua relação simbólica-simbiótica, de uma química análoga à combinação de metais que marcam o som do trio. Numa sucessão de avanços seguros e hesitações clínicas sobre sons ambientais, Commutator é mais do que um tento novo para cada um dos músicos que dele fazem parte; é um documento de valor perene, esdrúxulo e com vida própria.

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Os mapas estabelecem um lugar, um mundo do qual podemos ou não fazer parte, mas que é conhecido até certo ponto. Haverá sempre uma fronteira, um limite, um lugar onde as coisas são desconhecidas e onde apenas podem ser especuladas.

Vozes Antenas Fragas, o disco de estreia de Montes, é uma cartografia dividida em quatro partes do duo formado por Kauê Gindri e Arianna Casellas onde, juntos, enrolam e desenrolam um novelo despenteado de sons à força de imagens desenhadas por entre nevoeiros citadinos e misteriosos cumes de montanhas que até se poderem alcançar, vivem só na vontade de a elas se chegar.

Traga-Mundos em forma de disco, Vozes Antenas Fragas surge do trabalho comunal, impulsionado por um confinamento e inspirado pela vista para as montanhas no horizonte que deram origem ao nome da banda, quadro sinóptico onde a luz, a sombra e os gestos dançam.

Os mapas não precisam ser lugares distantes para que façam sua magia sobre nós e os quatro torvelinhos que compõem o disco de debute da dupla revelam-se como coreografias livres de cor, ritmo e timbre.

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Gustavo Costa é um músico e um artista de inúmeros talentos que se guiam por uma exploração constante dos limites da escuta. Teve formação musical desde cedo, mas o seu percurso transcende em muito as fronteiras da música. É baterista, mas também construtor de instrumentos, criador de novos sons, escultor sonoro, professor, programador e – diria eu – um generoso impulsionador da música contemporânea e da arte sonora que hoje se faz em Portugal. Tudo isto sem que, em algum momento do seu percurso, tenha perdido o foco ou apontado as luzes na sua direcção.

Talvez seja este o motivo pelo qual, só agora, volvidos 30 anos de ligação intensa com o universo musical, colaborações diversas e criações extraordinárias, Gustavo se decidiu a apresentar o seu primeiro disco a solo com o instrumento que o acompanha desde criança – a bateria e a percussão. Entropies and MimeticPatterns é um registo surpreendente, que nos dá a sensação de uma concentração paciente, meticulosa, como se toda a sua trajectoria tivesse convergido para chegar até aqui. À entropia, que representa desordem e aleatoriedade, Gustavo responde com padrões que ligam gesto e emoção e que provocam uma sensação de presença, de proximidade. É apenas um músico em frente ao seu instrumento, mas a comunhão permanece, como se uma vez mais, fosse a partilha que orienta os seus propósitos.

É dessa sensibilidade exploratória que se compõe este disco, um registo pessoal onde Gustavo organiza o caos e a energia percussiva em ritmos complexos e inesperados, um reflexo do seu universo sónico particular em que somos convidados a entrar.

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Resultante de um desafio lançado pelo Musicbox à Lovers & Lollypops, este disco regista a criação colaborativa do Septeto Interregional, composto por seis músicos de diferentes pontos do país, Arianna Casellas (Sereias), Mr. Gallini (Stone Dead), Rafael Ferreira (Glockenwise), Rodrigo Carvalho (Solar Corona), Violeta Azevedo (Savage Ohms) e Zezé Cordeiro (Equations), e um designer gráfico, Serafim Mendes.

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Candura, controlo e gentileza são características do segundo álbum a solo de SamuelMartins Coelho, “Cura”. Descrevem também a reunião simbiótica que conduz entre jazz, clássica/contemporânea e folk/country. Os títulos das canções elucidam sobre a reconciliação com a vida em tempos de pandemia – “Cura”, “Respirar”, “Vento”, “Pele”, ou “Terra” – e o que se ouve nelas sente-se como a tensão e a incerteza de um músico que quer sair e crescer.
A carreira de Samuel passou – até ao momento – por diversos projectos e participações, seja como músico ou compositor, em 2019 acusou a vontade de criar em nome próprio e editar um álbum a solo – “Partita Para Violino Solo” - com o instrumento que o levou a isto tudo, o violino. Dois anos depois, “Cura” é sinónimo de crescer e conforto, seja com o lado material, o violino e a guitarra que o acompanha, seja com aquele que se pode considerar mais espiritual, o da criação e da autorrealização enquanto compositor. 
A cura não tem de ser um processo pesado. Os traços de procura – confusão? – que surgem desenhados em alguns temas, como “Vento”, soam como diálogos de SamuelMartins Coelho com o ouvinte e não procuras internas. Como se os becos que a pandemia colocou na cabeça de todos nós saíssem cá para fora para comunicar uns com os outros. O som comunica uma planície de desconforto e ansiedade mas, às tantas, deixa de ser só sobre o músico, quem executa, e passa a ser sobre nós, deste lado. E, no fim, sobre todos.
Essa é a maravilha da partilha de “Cura”. Um acto contínuo de descoberta e execução, entre Penguin Cafe Orchestra, Max Richter e Jóhann Jóhannsson, em que o músico usa o isolamento e as convivências – ou falta delas - das restrições, para criar uma linguagem clara que se oiça como música de comunidade. Há bondade e gentileza em todos estes sons. Em “Awakening”, o último tema, Samuel Martins Coelho parece querer dizer que a cura chegou finalmente ao fim. Talvez para si, para nós, ela só agora começou.

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Depois dos escombros encontrados no Bazar Esotérico que revelavam o esboço de um ritual anarco-religioso inspirado nos ensinamentos de espíritas da darkwave post punk, foi encontrada a Ata Saturna, de leitura turva mas que identifica 3 cientistas (Francisco Lima, Raúl Mendiratta e José Miguel Silva) encarregues de sintetizar uma figura robótica, mais consciente e senciente que os humanos seus contemporâneos.

Segundo os primeiros relatos dos que tiveram contacto com a Ata Saturna, os experimentais cientistas, aparentemente movidos por uma embriaguez sádica, criaram uma entidade especialmente capaz de encontrar desilusão. Quem já se cruzou com este ser, descreve um novo messias, que traz novas niilistas em melodias simples e cativantes, gritando constantemente que ‘o apocalipse já aconteceu, a sina cumpriu-se, a anarquia conteve-se, o amanhã não é promessa, a ansiedade é perpétua, o Sol nunca nasce aqui.’ 

O engenhoso invento, encomendado com o objectivo de viciar os humanos nas suas contradições mais básicas, foi testado confidencialmente e os resultados, agora disponíveis para o mundo, mostram que o planeta pode ter construções mais empáticas que os seus criadores e semelhantes. Os ideólogos da Conferência Inferno acreditam que só um espelho na nossa desumanização nos humanizará e só nos salvaremos quando todos os dias forem odes ao deus Saturno e os escravos trocarem de lugar com os seus amos.

Reidição do 10º aniversário

Ao fim das oito canções de Vox Flora, Vox Fauna, Ece Canlı prova a capacidade de encurtar distâncias entre a paisagem mais celestial e o cenário mais rude. A artista turca – que actualmente reside no Porto – incorpora a sua voz em ambientes que parecem contrastantes no papel mas que formam harmonia na construção musical que lhes dá. O modo como Ece Canlı trabalha a voz avança em favor de uma pulsão constante ao longo de Vox Flora, Vox Fauna.

Tem criado paisagens noutros projectos – Nooito, Live Low e Cobra’Coral –, a solo, Ece Canlı, repete insistente e consistentemente de que ainda é possível criar narrativas únicas, trabalhando ideias de extremos no meio. Isto é, está constantemente a celebrar pontos que unem estilos, buscando influências de ideias/construções da folk tradicional, trabalha-as num prisma da electrónica-experimental e joga isso tudo com o sentido de música natural, sons que ao invés de replicarem a natureza, são demonstrações de paisagens, climas, vivências em cenários.

Através dessa estrutura sonora, Ece Canlı aproxima o ouvinte para o seu meio. Os ambientes são uma porta de entrada, a voz – como a usa, como cria línguas e faz poesia sem fronteiras linguísticas e formais – é o elemento que agarra e reencaminha as sensações por estas canções habitadas pela generosidade e violência da relação do homem com a natureza, a natureza enquanto tudo o que está em redor e que se muda e adapta.

Vox Flora, Vox Fauna evita existir como um álbum de céu e de inferno, de luz e escuridão, de opostos. Aproxima-os, comemora-os, integra-os em canções cristalinas e vivas. A voz de Ece Canlı é o convite para quem está do outro lado – o ouvinte – entrar neste mundo e fazer parte dele.

Com cinco temas gravados à distância, antes e durante a pandemia, o disco do colectivo lisboeta não nasceu como de costume. Não começou na improvisação desenfreada para depois se "regrar" na pós-produção, pelo contrário, houve mais improvisação na fase das misturas do que nos primeiros momentos. Loops, percussão, baixos, sintetizadores, vozes, guitarras, viajaram no ciberespaço sobrepondo-se uns aos outros, sem que alguém sentisse falta de espaço ou pressas. Circunstâncias singulares adversas à comunhão e à ansiedade que caracterizavam o som da banda e mesmo o rock noutros tempos, mas que permitiram mais liberdades individuais. Prova disso, KILL SCREEN é o disco com "melhor som" de todos os discos dos Loosers e com detalhes que outrora a banda desvalorizava a receberem atenções redobradas. 

KILL SCREEN é disco de um tempo em que não é fácil processar toda a informação e desinformação e em vez de se discutir política se discute continuamente se a terra é plana, se as vacinas provocam autismo, se existe racismo e machismo, enquanto vamos vivendo realidades intangíveis na dependência de tech giants e na frente de ecrãs.

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Na senda daquela que é a rica tradição de experimentação no campo do Black Metal e envolto na aura de mistério e anonimato que, desde os seus primórdios, caracterizam o género, Bríi eleva a música de contornos extremos a todo um novo patamar. Uma mistura de texturas - atmosféricas, electrónicas e sons tradicionais brasileiros - transforma a sua estreia em Entre Tudo o que é Visto e Oculto numa espécie de magnum opus de um homem só.

A frieza e a crueza do som desolador contrasta, aqui, com o balanço e a naturalidade do tropicalismo, num ténue mas preciso equilíbrio entre a sonoridade cortante e dogmática do metal, a riqueza e tradição da percussão brasileira e os sons estilhaçados e perdidos de uma qualquer pista de dança. 

Entre Tudo o que é Visto e Oculto é um disco de ideologia refractária, uma estreia multifacetada e liminal que equilibra o austero e o solene, o apaixonado e o frio, percorrendo longas paisagens atmosféricas, progressões de inclinação folk e caminhos de contornos tonitruantes. 

Quatro temas onde o som intenso, pesado e opaco se coloca, confortável, à entrada de um território quase de sonho, numa espécie de jogo de espera pela entrada, eminente, dos reforços mais extremos da composição.

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Na esfera do paranormal, Paisiel é, entre aspas, “um anjo da guarda responsável pelo sétimo salão celestial”. A dupla experimental Paisiel, por sua vez, contém um Pais – João Pais Filipe, baterista português e eixo central da subcultura musical experimental do país – e um -iel: Julius Gabriel, saxofonista alemão com passagens frequentes pela cidade do Porto. O que quer dizer que o nome escolhido é tão específico e singular quanto a música que eles fazem juntos, como pode ser ouvido em seu último álbum Unconscious Death Wishes.

Ambos são músicos a tempo integral: 2020 viu João lançar colaborações com o chefe de dub eletrónico Burnt Friedman - num dos lados de um EP que integrava o lendário baterista do Can, Jaki Liebezeit, no outro, para se ter uma ideia do tipo de nomes que ele pode enfrentar - e, com o afamado esquadrão Gnod, no álbum Faca De Fogo. Ele e Julius lançaram ainda álbuns a solo No entanto, a vibração que se alcança nesta sessão soa sempre exclusiva a Paisiel. Nenhum substituto vai ser aceite – ou aparenta ser possível.

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Mariano de Melo, também conhecido como Marian Sarine, é multi-instrumentista, atua como baterista/percussionista dos DEAFKIDS, tocando sintetizadores e percussões ao vivo com o artista eletrónico de vanguarda Felinto, e, como artista solo, sob o alias Sarine.

Raízes Aéreas inspira-se em diversas fontes, como as experiências eletrónicas de Charanjit Singh na modernização das ragas tradicionais do norte da Índia, bem como em mestres organistas de diferentes partes da África, como Hailu Mergia, Mammane Sani e Hama. O álbum é também resultado da manipulação de recursos limitados imposta pelo período de quarentena na pandemia de Covid-19, propondo uma reflexão sobre a urgência e restroição desses tempos através de uma perspectiva lo-fi.

Faca De Fogo é uma viagem ritmicamente conduzida por paisagens sonoras mercuriais, selvagens e inquietantes. Aqui, um colectivo sonoro contracultural nascido em Mancun e um mestre da adivinhação percussiva baseado no Porto unem forças, resultando em estados de transe místicos e epifanias elementares em grande quantidade.

Depois de um encontro no Milhões de Festa, em Barcelos, os GNOD e João Pais Filipe encontraram-se, no Porto, para três dias de ensaios que serviram para lançar as estruturas básicas de um primeiro concerto conjunto na cidade. Estruturas essas que foram posteriormente gravadas, ao longo de quatro dias na oficina de João, com overdubbing mínimo, formando um poderoso retrato das faíscas que voavam e do fogo que elas produziam.

Forjado num espírito de espontaneidade e intuição, Faca De Fogo é rápido a manifestar esta química incendiária entre exploradores de mantras e revelações repetitivas. O disco percorre uma largada gama de exploração improvisada, desde a atmosfera misteriosa introduzida por 'Faca De Terra', passando pela mania polirrítmica danificada pelo kraut de 'Face De Ar', até o xamânico e clangor sombrio ao estilo de Swans da faixa-título.

Faca De Fogo é um mundo sonoro sem barreiras, um encontro de mentes e marretas em que a dualidade no seu núcleo é subsumida numa força singular tão primordial quanto metafísica.

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Duas Vozes é o álbum de estreia a solo do compositor e artista português Pedro Augusto. Com seis temas de música não operativa, cujo único propósito é construir um programa musical que pudesse ser executada ao vivo sem programação, Duas Vozes tem uma sonoridade bastante frontal, viva e dinâmica.

Escrita a partir de duas sequências monofónicas de um sintetizador modular, marca o início de uma série de edições que evoluirão a partir do objecto inicial através da adição de novos instrumentos. Música visual que resulta fisicamente numa viagem-vídeo-álbum, onde a música de Pedro Augusto é depositada nas imagens criadas por Rafael Gonçalves.

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É inevitável dissociar a música dos Ghost Hunt do carimbo “espacial” ou “cósmico” ou do conceito, por vezes mal empregue, de “viagem musical” ao escutá-los. A forte influência “kosmische” está mais vincada neste seu novo trabalho, que mostra que o som do duo continua eclético e sempre aberto a novas possibilidades. 

O tema de abertura pinta uma autêntica descolagem para o caminho que se segue, como se os Ghost Hunt estivessem na faixa ao lado das bicicletas dos Kraftwerk numa qualquer autoestrada germânica. Outros momentos de “II”, como “Shadow Factory” ou “New Ceremony” orbitariam perfeitamente sobre qualquer lançamento inicial da Mute Records; enquanto que em “E.V.P.”, "No Exit" e a final “Fugue State” a exploração sonora a que a banda nos habituou ao vivo é finalmente registada.

Estes caça-fantasmas aterraram de novo na estratosfera das edições discográficas, provando que lá para os lados siderais ainda há muito por aprender. 

Fundador do duo psych-funk Garotas Suecas e colaborador regular de Yonatan Gat, o nome de Sessa não será novo para os mais atentos à cena musical brasileira e americana. Em Grandeza, o seu disco de estreia a solo, descobriu o espaço para explorar a sua própria visão sobre aquele que é o imenso território sonoro do Brasil. Daí que não seja de estranhar que neste disco, que o mesmo classifica como uma homenagem ao seu país, se encontre a visceralidade e sensualidade da palavra (a lembrar o caminho criado por Caetano Veloso) e os arranjos melódicos de quem cresceu a ouvir Tom Jobim. Mas Grandeza não se fica por aqui. Num esforço de condensar a riqueza de ritmos e texturas da música cantautoral brasileira, descobre-se aqui um novo caminho, a apontar o futuro: o da complexa simplicidade como ponto primeiro do que é belo.

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Ao longo das quatro composições de Sun Oddly Quiet, João Pais Filipe abre um diálogo com o ouvinte. Seja ele um regressado do álbum homónimo (Lovers & Lollypops, 2018), um conhecedor do envolvimento com os HHY & The Macumbas, CZN ou das colaborações com Evan Parker, Rafael Toral, Black Bombaim e Burnt Friedman. Ou mesmo alguém que se cruze pela primeira vez com os ritmos do músico nascido no Porto em 1980. A conversa entre o músico e o outro lado existe para João Pais Filipe abrir o portal do seu domínio e desafiar quem entrar a entender a singularidade dos intrincados ritmos que dão vida a XV, XIII, XI e V.

No primeiro álbum inspirou-se na electrónica/dança/techno que evoluiu da percussão do krautrock para espernear à vontade o talento. Em Sun Oddly Quiet, logo em XV, abandona, com todo o voluntarismo, as preconcepções que existem e aventura-se por numa nova estrada sem qualquer mapa. Está a tactear terreno novo na carreira a solo, evidenciado que não quer uma única associação ao seu trabalho, e que o ouvinte o perceba como um compositor/percussionista e não apenas como uma só dessas partes. Só que João Pais Filipe sabe para onde vai esse novo e desconhecido, porque já fez esse caminho vezes e vezes sem conta. É um músico sem medo do que está além.

Essa expansão criativa – e também motivacional – é empurrada por outra relação que João Pais Filipe tem com os seus instrumentos, enquanto construtor de gongos e pratos. Um conhecedor da sua matéria-prima que ousa a que o instrumento soe mais do que o seu propósito e que possa cantar mantras através de ritmos.

Maturado pelas diferentes experiências que João Pais Filipe viveu ao longo dos últimos três anos, as colaborações que desenvolveu com outros músicos, a descoberta regular de enfrentar um público a solo e viagens a África, Ásia e América Latina que permitiram os seus músculos colaborar com outras linguagens percussivas, Sun Oddly Quiet ouve-se com a sensação de um álbum idealizado com a certeza de quem sabe o hoje e o amanhã. Para o ouvinte é um mapa de um lugar incerto; um, dois, três ou quatro mantras com coordenadas exactas sobre como fazer música percussiva em 2020

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Sabe mais o diabo por ser velho do que por ser diabo e os Krypto, na estreia Eye18, mostram que sabem desta poda como ninguém. Oito malhas que nos recordam um tempo que já não volta, que piscam o olho ao passado sem nunca soarem saudosistas e que aproveitam para resgatar todo aquele balanço que a música de e com peso parece, por vezes, ter esquecido. Não sabemos quem teve esta ideia, mas por nós mereceria uma medalha. Juntar aquele que é, sem dúvida alguma, o melhor e mais alucinado vocalista que este país viu nascer (um título que, por mérito próprio, exibe desde meados da década de noventa com os Zen e recentemente renovado na insanidade dos Plus Ultra) aos Greengo, provavelmente a maior força propulsora que a Invicta viu nascer por entre baforadas carregadas de intenção e acidez.

“If we moved in next door to you, your lawn would die”, palavras de Lemmy que se aplicam na perfeição a este Eye18, disco em trepidação constante pelo vazio insaciável, com sede de sobreviver e uma vontade que nos deixa atordoados, encanecidos, amortalhados, mas também num alerta constante e eufórico provocado pela privação de sono e sonho que a música dos Krypto teima em nos inflingir ao longo dos seus 23 minutos.

Inspirada no som bruto e psicadélico dos Krypto, bem como nas suas letras, a banda desenhada que acompanha a edição, complementa e explora um universo ácido e atemporal. Guiado entre rituais e o oculto, transportando a psique por labirintos infinitos. 

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Um protesto avant-garde!

Está tudo bem, certo? Está sempre tudo. Neste cantinho à beira mar plantado, templo de Sol, escravo de praia e volúpia entregue aos humores do destino, impotente face ao constante azedume e indignação do nosso queixume. Ginásio da berra lá no bairro durante a semana, clube da moda ao sábado e shopping ao domingo (repetir a fórmula a doses cavalares). Odiar a mudança, ter horror à rotura, bajular a norma, radicalizar o centro. “Tão humildezinho, coitadinho!” Nunca atrair as atenções porque somos um “colectivo”. Rasgar o ventre do individualismo e pacificar a revolta primordial que parte das tripas. Conter, conter sempre o confronto. “Vais-te chatear para quê?”

Respeitar a estabilidade e exorcizar os três anjos negros da “demagogia”, do populismo” e do “reacionarismo”.

De certa forma, “O País a Arder” é àquele elo de ligação (perdido) entre as gerações pós-25 de Abril e o novo milénio made in EU, de um “país” que foi forçado a crescer da mesma forma que o filho varão teve de tomar conta da família, nos tempos da outra senhora. Todo o álbum atravessa esses diálogos metafóricos, entre o niilismo, a tentativa de redenção, a ausência de comunicação e as consequências desse vácuo nos últimos 40 anos. Fala dos vícios e da herança pesada de um conjunto de costumes pavlovianos, deixados por uma espécie de “Laranja Mecânica” à Portuguesa. A psicanálise de um trauma nacional, que por vezes é regional e outras Europeu – sempre complexado em ser as três coisas, simultaneamente. Numa época em que grande parte das bandas se tornam caricaturas delas próprias, wannabes de uma qualquer cena, respostas aos maneirismos do momento e completamente reféns do voyeurismo social, as “Sereias” levam o país ao divã. E como o Portugal artístico precisava disso. Este é um tratado político, social e filosófico, num tempo em que tudo isso corresponde a uma afronta ao status quo, ao grande mestre. Escrito com uma violência enganadora, nas entrelinhas da provocação, na epiderme de uma couraça onde se pode bater à vontade.

Não só nas letras, mas também na música. Neste formato avantgarde, punk, free jazz e post-rock (não na aceção da etiqueta, mas no sentido literal de algo após o rock) que casa com essa mensagem, na erupção voluntária de sentidos, na liberdade da execução e na negação dessa mesma postura convencional. Uma (in)disciplina “zappliana” que nos leva para os territórios de This Heat, Pere Ubu ou The Fall. E se o disco representa uma audácia aviltante nessa multiplicidade de perfis, a praxis ao vivo é não só direta, intempestiva como canibal e exasperante. O equilíbrio mantém-se à base dos extremos e tão desconfortáveis no palco se parecem, que acabam por manter o foco no público. Nos nossos problemas, nas nossas aparências, nas nossas vidinhas! Bem sei que é apenas um álbum, mas desde os Mão Morta que não se via uma banda nacional tão corajosa, original, outsider e estrangeira no seu próprio país.
“Mas porquê tudo isto”, perguntar-me-ão vocês, “afinal toda a gente tem Facebook!” Pois, só que ao contrário do Facebook, “O País a Arder” serve o distinto papel de juiz no ringue de boxe que nos opõe a nós próprios. Não nos oferece a pílula do esquecimento “do nosso perfil”, dentro de uma Matrix amestrada.

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O álbum de estreia de Angélica Salvi expressa aquilo que se tem vindo a aprender com o seu trabalho ao longo dos últimos anos, através das suas colaborações e participações em diversos projectos: tem uma habilidade única de comunicar e de se expressar livremente com o seu instrumento, a harpa. Natural de Espanha, mas residente do Porto desde 2011, onde lecciona no Conservatório de Música. O seu percurso inclui colaborações com Evan Parker, Orquestra Sinfónica da Casa da Música, Ensemble Modelo 62, Brokkenfabriek, Butch Morris, e trabalhos desenvolvidos para a Sonoscopia ou o Balleteatro. Actualmente integra o Vertixe Sonora Ensemble e dirige o Female Effects, um projecto em volta do desenvolvimento de peças acústicas e electrónicas de criadoras femininas.

O título Phantone é um jogo de palavras que revela as intenções das peças livres e genuínas de Angélica Salvi. Um jogo em que não se brinca, a associação entre “pantone”, “phantom” (fantasma) e “tone/tom” consolida a experiência e as ideias formadas pela compositora em volta de improvisação e de música electroacústica e experimental. O álbum, gravado durante o Encontrarte de Amares, no Mosteiro de Rendufe, procura a liberdade, sonora e de como o som pode habitar um espaço com diferentes camadas e alusões a diversas caminhos.

A sala permitiu a Angélica Salvi trabalhar delays, justaposições, ecos e reverberações, criando sons elásticos e que coexistem em harmonia ao longo de Phantone. Se há algo de fantasmagórico a habitar na sua música, é o ouvinte que a procura, através da ligação dos pontos/sensações que cada peça desencadeia. O “fantasma” que existe nas sete peças de Phantone é bem real, mas menos formal do que se imagina. Mais uma afirmação do que uma presença, seja nos lugares imaginados da música de Salvi ou nos efeitos em concreto que a gravação no Mosteiro produziram na sua música. Sente-se a elevação de Angélica Salvi como compositora/solo, usando a sua harpa como uma varinha mágica que controla tempo e espaço e os sentidos do ouvinte. Música que se lê, ouve, cheira, sente e se prova

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